Ausstellung bis 6.1.2012

eine Ausstellung mit Arbeiten von Nora Below-Marion Bösen-Elke Graalfs-Manfred Kirschner-Astrid Küver-Andreas Kotulla-Jörg Lange-Frank Schoppmeier-Veronika Schumacher-Line Wasner- Sabine Wewer, Ole Wulfers und weiteren

Der Krieg der Äpfel ist vorbei. Schon im letzten Jahr einigten sich endgültig, die jahrzehntelang im Rechtsstreit liegenden Parteien Apple Records, die Plattenfirma der Beatles mit Apple Inc. dem daraus inspirierten Computergiganten.  Apple Inc. versicherte seinerzeit  keine Musik oder künstlerische Inhalte unter diesem Firmennamen zu vertreiben.  Doch die Veränderungen die der große Apfel entwarf,  wurden umfassender als damals angenommen. Die Regelung und ihr dauernder Bruch unterstützte nun  jene, schon in Zeiten allgemeiner  Abrufbarkeit und Zugriffs, einzigartige Lücke samt Phänomen:  Die Beatles und ihre Musik waren bisher nicht auf I-Tunes zu finden.
Nachdem nun auch diese Leerstelle friedlich gefüllt wurde, freuen wir uns erstmals und speziell zu Weihnachten, künstlerische Arbeiten zu den Beatles in der Galerie Crystal Ball zu präsentieren.

Pension Berlin, Frank Schoppmeier, Foto: Maria Wohllaib

Frank Schoppmeier arbeitete in diesem Jahr an der Pension Berlin. Am Sonnabend dem 10. Dezember feiern wir die offizielle Eröffnung der Pension mit zwei Ausstellungen: dem Bilderladen von Annette Stemmann und Diskosee von Manfred Kirschner. Die wunderbare Miss Laura Bean spielt zu diesem Anlaß ein exklusives Swing Set!

Buchungen der originär gestalteten Zimmer können über die website  www.pensionberlin.biz  bzw. pension@berlin.de aufgegeben werden. Die Pension befindet sich schräg gegenüber der Galerie Crystal Ball in der Schönleinstraße 33.

Im Andenken an den 2010 verstorbenen Freund und Künstler Florian Pauly, alias Flowrian zeigen wir am Freitag den 2. März eine Dokumentation seiner gleichnamigen Performance, die er 2007  in der Galerie Crystal Ball  realisiert hat. Am folgenden Tag wird eine retrospektive Ausstellung in der Galerie R 31, in der Reuterstraße in Neukölln eröffnet.

Flowrian: Wenn ich 30 werde, dann!

14.10. – 26.11.2011

Ioana Alexe: Untitled, Video, 07:39’35

Die Künstlerin Ioana Alexe reproduziert auf unterschiedliche Weise Bilder und Objekte der Kunstwelt. Die mediale Beschaffenheit und die Art des Transfers geben dabei Aufschluss über transportierte Aussagen der Künstlerin. In ihrer Videoarbeit „Untitled“ bringt Ioana Alexe Malerei zurück in den zeitlichen Kontext ihrer Kreation. Eines der Gemälde der berühmten Kerzen-Serie von Gerhard Richter wird durch die Künstlerin filmisch reproduziert und als „Performance des Bildes“ über die Brenndauer einer herkömmlichen Haushaltskerze von 7 Stunden und 39 Minuten nachvollzogen. Wesentlich daran ist nicht die bloße Nachstellung der Ikonografie des eingefangenen Bildraumes, sondern seine Differenz in der Präsentation der verlorenen Bilder, die die aufgezeichneten Augenblicke der sich langsam verändernden brennenden und erlöschenden Kerze darstellen. Durch das provozierte Verhältnis des erinnerten populären Bildes mit seiner Coverversion, einer „fiktiven“ und unspektakulären Dokumentation der Ereignisse, erweitert sich der Interpretationsraum persönlicher Eindrücke mittels einer scheinbaren Auflösung im Zitat.

Im Halbdunkel der Ausstellung zeigt Ioana Alexe in miteinander verknüpften Installationen auch einen Büchertisch. Hölzerne Körper unterschiedlicher Größe sind hier Träger für malerisch reproduzierte Hardcover und Buchrücken. Sensibel gemalte Attrappen: Kunst-Bücher und Anthologien, operieren hier als Bild Double deren Betrachtung sich im Verbergen äußert. In der Verweigerung des Objektes, die auch eine persönliche Bildsprache über eine präzise Kopie setzt, ist das Sujet wiederum Kunst und ihre inhaltliche Verschiebung angezeigt. Die Künstlerin arbeitet über komplexe wie auch defizitäre Strategien des Bildtransportes an einer neuen Sicht. Mit feinen Verschiebungen zeigt Ioana Alexe, wirken im Kunstwerk auch immer dessen optionale Interpretationen an seiner Behauptung. Eine größere Perspektive, die das Subjektive benennt und in seiner Beurteilung nicht auszuschließen sucht.

In her work Ioana Alexe reproduces in various ways pictures, icons and objects of the art world. The mediated appearance and manner of transfer convey the intentions of the artist. In her video work “Untitled” Ioana Alexe puts back painting to its time-based context of creation. As such she reproduces one of Gerhard Richter’s famous candle series cinematically and traces in a “Performance of an Image” the burning candle for 7 hours and 39 minutes. Essentially, it is not so much the mere reset of the iconography of the imagery, but its deviation in the display of lost images, represented by recorded moments of the slowly burning and expiring candle. With the activated relation between a recollected well known image to its cover version, a “fictional” unspectacular documentary, interpretation amplifies about personal impressions using the pretended dissolution of the quotation.

In the semidarkness of the exhibition Ioana Alexe shows in connected installations a table with books. Volumes out of wood in different sizes are the basis for reproduced and hard covers. Sensitively painted dummies: Art books and anthologies operate here as doubles whose viewing expresses concealment. In a denial of the object in which also a personal language is preferred instead of a precise copying, the subject is art itself and its displaced signification. The artist works with both complex and deficit strategies of transmitting images into a new vision. With smooth adjustments Ioana Alexe shows that there are several options for interpretation that are relevant for its proposition. The impact is a wide perspective which articulates the subjective and doesn’t exclude it in its appreciation.

Ioana Alexe: Buechertisch, Installation, Galerie Crystal Ball Berlin 2011

Ioana Alexe: Untitled, Installation, Galerie Crystal Ball, 2011

Sa. den 1. Oktober um 20 Uhr mit einer Performance von Nicolas Puyjalon.

Achtung:  Eine Ausstellung an zwei Orten. Kulturpalast Wedding International, eröffnet den ersten Teil mit Performance am vorherigen Tag:  Fr. den 30. September um  20 Uhr. Die Ausstellungen werden kuratiert von Kurt Forever

Amélie Bertrand

Vincent Busson

Sarah Duby

Ariel Fleiszbein

Benoît Géhanne

Aurélie Godard

Edgar Guilmoto

Nicolas Puyjalon

Flandin & Waré

Roger Callois zeichnet den außergewöhnlichen Prozess von Insekten auf, die perfekt ihre Umgebung imitieren können, bis sie sich völlig in der Gleichförmigkeit der selben ununterbrochenen Textur auflösen. Viele werden von einer Taktik des Raub- und Verteidigungsmechanismus sprechen, doch Roger Callois wird diese Thesen widerlegen.

Callois These: Diese Tarnung, die darauf abzielt die Unterschiede zwischen dem Organismus und seiner Umgebung zu vermindern, würde eine Depersonalisation verusachen, da eine wirksame Imitation jede Variation oder Grenze von einem zum anderen auslöschen kann, wobei das individuelle Sein von jenem Umgebungsraum aufgesogen wird, mit dem es eigentlich verschmelzen wollte.

Callois stellt sich die Frage der Grenze oder des Umrisses und er verteidigt die Unterschiedlichkeiten gegen die radikale ontologische Auslöschung der Tarnung. Die animalische Mimik, welche ein ultimatives Beispiel für das Ideal der Harmonisierung zwischen der Figur und dem Hintergrund ist, zeigt das Risiko der Entropie auf. Eine Lösung: Sich den Gesetzen der Ähnlichkeit, des Sprudelns von Unregelmäßigkeiten zu widersetzen. DEPLATZIEREN, gegen die Auslöschung von Unterschiedlichkeiten zu kämpfen, welche die Wiederholung vom Selben erzeugen.

DEPLATZIEREN, Durcheinander und Unterbrechungen können Gestalt annehmen. Als Metonymie den Wert der Darstellungen bewegen. Die Behauptung: Darüber hinaus, was die Vereinbarungen als gute Form angeben oder als augenscheinlichen Inhalt tolerieren, diese Nichtübereinstimmungen stoßen zusammen, regen zum Überdenken von Verbindungen an und öffnen neue Bereiche.

Marion Delage de Luget

Roger Caillois notes the extreme case of these insects which, because they imitate so perfectly their habitat, end up disappearing completely in the uniformity of the same uninterrupted texture. Some will talk about tactic of predation or defence mechanism, but Caillois refutes this interpretation. He deduces: this mimicry aiming to decrease differences between the organism and his environment would actually cause a depersonalization – because an effective imitation can erase any variation or boundary from one to the other, the individual being resorbed in this surrounding space he wanted to merge with.

Caillois raises the question of the limit or outline; and against this radical ontological erasing of camouflage, he pleads in favour of dissimilarities. The animal mimicry, ultimate example of an ideal of harmonization between the figure and the background, points the risk of entropy. A solution: set against the laws of the semblance the effervescence of the irregularities. DEPLATZIEREN, to fight against this deletion of the distinctions which the repetition of the same generates. DEPLATZIEREN, so disorder and disruption can take shape. As metonymy, moving the value of the representations. And assert, beyond what conventions indicate as good shape or tolerate as manifest content, these incongruities – all these things which, precisely because they clash, also incite to reconsider connections and to open new fields.                   Marion Delage de Luget

Nicolas Puyjalon – Sortir la tête de l’eau,  Performance,  1. October 2011

links:  Benoît Géhanne – Série doublage, 2008-2011
rechts:  Nicolas Puyjalon – Sortir la tête de l’eau, partition, 2011

Vincent Busson – Patafix®, 2005-2011

links:  Aurélie Godard – new rose graffiti #2/5 / 2005-2011
rechts:  Amélie Bertrand – sans titre, 2011

Edgar Guilmoto -  tableaux d’intérieur, 2010

Ariel Fleiszbein – spring trends 11 in Paris, France / 2011

mehr von kurt forever

Die Ausstellung ist verlängert bis zum 24.September 2011

Silke Thoss – All Galerist I Sleept With

Eröffnung & Konzert

Am 5. August eröffnet die Galerie Crystal Ball eine Ausstellung mit neuen Malereien von Silke Thoss, alias Silky, die mit selbstironischem Blick Perspektiven auf den Kunstbetrieb zeigen. Silkys genialischer böser Humor erklärt uns in Bildern und leuchtenden Bannern das Kunstbuisness als Farce. Wie schon vermutet, wird die Welt der Komplexität redundant, aufgeteilt in schlechte und gute Kunst.

Silkys Arbeiten zeigen dies in einer panoptischen märchenhaften Welt, voller Bilder der jüngeren und älteren Kunstgeschichte. „All Gallerist I Slept With“ zitiert in absurder und evozierender Verknüpfung Hieronymus Boschs Höllenthema mit einer Arbeit ähnlichen Titels von Tracey Enim. Die Aura des Zeltes (Everyone I Ever Slept With) der Künstlerin Enim, auf dem diese die Namen ihrer Liebhaber aufnähte, entblößt sich als offenkundig hohle aber ehrgeizige Strategie nach Aufmerksamkeit und Liebe, die schließlich mit Geld aufgewogen wird.

Kunst entwirft hier eine doppelköpfige Schimäre deren aufgeblasenes Finanz- und Auktionshaupt heute mehr als eine abwegige Mutation verstiegener Realität zur Kunstproduktion und Basis erscheint. Eine doppelbödige intrigante Welt, die Lügen gebiert, wird zur eigentlichen Künstler-Hölle in deren Sphäre die teilhabenden Charaktere ganz unverhohlen niederen Instinkten folgen. In all dem portraitiert sich die Künstlerin mit den impertinenten Galeristen, dem Freak- Ensemble; zeigt sie doch die eigene Verantwortung und Aufgabe an. Die Pinocchiohafte Pinselnase, Symbol für Wahrheit und Authentizität ist ein Werkzeug, das einiges anrichten kann und hier, in Silke Thoss´ Arbeiten, ihrer Aufgabe gewahr – malt was das Zeug hält.

Crystal Ball gallery shows new paintings of Silke Thoss alias Silky. With a self deprecating view the works display perspectives on the art business. Silkys ingenious bad humor explains us in pictures and shiny banners the art world as a farce. As assumed, less its complexity, the world is divided in bad and good art. Her works show this in panoptical fabulous Landscapes filled with images from the earlier and older art history. „All Gallerist I Slept With“ quotes in an absurd and generating alliance the hell themes of Hieronymus Bosch too a work of Tracey Enim with a related title. The aura of the tent (Everyone I Slept With) from the artist Enim, where she sewed her lover’s names on, exposes itself in a hollow but ambitious strategy for attention and love, which is finally compensated with money.

Art designs here a double headed chimera whose financial capital appears more than a digressive mutation of presumed reality against the basic of art production today. An ambiguous conniving world that bears lies, develop as the artist hell in fact in which sphere the partaken characters follow barefaced their low instincts.

In that the artist portraits herself with impertinent gallery owners, a freak ensemble; but pointing on her own responsibility. The Pinocchio like nose that is looking like a brush, symbol of truth and authenticity, is a tool that can create a lot and here in Silke Thoss work, its mission aware – paints like hell.

Silke Thoss: How Interesting!

Silke Thoss I Love Art And Art Loves Me

Silke Thoss: If You Make Bad Art You´ll Burn In Hell

Finissage und Konzert am Fr. 22. Juli ab 20 Uhr:

Hedi Mohr, Royal Chord und DJ Catastrophe

Annette Stemmann arbeitet mit bemerkenswerter Ruhe an einer ganz eigenständigen Position die das Universelle und das Persönliche als gleichberechtigte Mitte von Malerei behaupten. In ihren Farben liebenden leuchtenden Bildern herrscht dabei eine rätselhafte Komplexität, die sich eindeutigen Entschlüsselungen widersetzt.

In der Ausstellung zeigt die Künstlerin neben neuen Zeichnungen mehrteilige aneinandergefügte Tableaus. Der Malgrund wächst über das klassische Rechteck und expandiert über die Wandflächen hinaus. Auf organische Weise entstehen dabei sich beeinflussende Relationen der Komposition. Eine poetische Gleichzeitigkeit, die in einer Übersicht mit der Bedeutsamkeit der Bildteile spielt. Die Sammlung von Eindrücken, Stadtszenen und immer wieder die menschliche Figur, teils zeichenhaft skizziert finden sich neben Plastikfiguren, abgelegtem Spielzeug, Märchen- und Fabelwesen; Ikonen im Bereich des Alltags in Farben umgesetzt. Wie beim Durchqueren einer Landschaft wechselt unser Blick, Eindrücke streifen uns, stärkere Bilder bleiben und lösen sich doch im Gesamten vor uns.

Annette Stemmanns Bilder operieren mit den unterschiedlichen Formulierungen, Gegenständlichkeit und Abstraktion, Ornament und Fläche, Zitat und Weglassung. Eindrücke konkurrieren und thematisieren eine Hierarchie der Bilder ohne sie jemals auszuüben. Ihre ganz eigene ungebundene Arbeitsweise erscheint in gelösten Bildkompositionen evoziert, deren Zurückhaltung als unmerklicher Kommentar einer mutigen Haltung im Kunst Diskurs gesehen werden kann.

With a remarkable ease Annette Stemmann is working on an independant position that states universals and individualty as an equal midway in painting. In her colourful lucent pictures reigns a misterious complexity that resist to a definte descryption.

In the exhibition, next to drawings, the artist shows segmented panels. The painting base grows above the classical square, expanding over the walls. Like an organic process in the composition, itself affecting relations accure. A poetical simultaneity who plays in a compendium with the impact of its parts. Its a collection of impressions, urban scenes and time and again the human figure, drafted, finds itself next to plastic figures, left over plaything, myth and legendary creatures, icons from the sphere of everyday life. Like crossing a landscape our view changes, impressions touch, stronger images remain but solve in total.

Annette Stemmanns´ paintings are working with different phrases, concreteness and abstraction, ornament and surface, excerpt and omission. Impressions compete and examine a hierarchy of images without never execute it. Her specially own disengaged working method shows up in balanced compositions whose resistance can be seen as a imperceptible commentary, a brave countenance to actual art discourse

Annette Stemmann: Weiße Landschaft,  Galerie Crystal Ball Berlin, Foto: Maria Wohllaib

Eröffnung am Fr. 13 Mai um 20 Uhr mit Performance der Künstlerin: Rote Beete – Weißes Beten

bis zum 17.6. mit Finissage und Performance: Nein!

Rote Beete-Weißes Beten/Performance

Elke Graalfs: Over The Hill

Über dem Hügel ist Raum. Der Raum ist Vorstellung. Dies ist ein schwebender Zustand. Elke Graalfs künstlerische Arbeiten bewegen sich in inneren wie physikalischen Räumen. Die Wege und Arbeiten verknüpfen immer biografische Einschreibungen, die sich in Bildern wie in Büchern wie von selbst aufzeichnen lassen, um das Verborgene aufzusuchen. Farbe, konstituierendes Material, ist wie Faden und Spur räumlicher Konstruktion verstanden, die den Moment einer abwesenden Wirklichkeit steigert. Die Mäntel. Die Pullover, das gestrickte menschliche Kleid, Abbilder einer schützenden, gewirkten Umhüllung, die den Tragenden hier in seiner Unsichtbarkeit bedeckt.

Malerei verlässt die Bildgrenzungen, projiziert sich im Räumlichen. Das Terrain und Sujet des Traumes. Etwas das hypothetisch schwer wiegt, wird in der Schwebe wirklich und deutet das Irreale. Der körperhafte Raum, Universal unserer Lebensbeschreibung, wird das Material für die Emanation unserer Bedürfnisse und Sehnsüchte. Das Glück, nach Schopenhauer abwesender Schmerz, zeigt sich hier aber als Bewunderung der Gegenwärtigkeit unseres Selbst. Elke Graalfs versteht dies in alchemistischer Form, in der Zusammenbringung gegensätzlichen Ingredienzien für die Erforschung und Kreation des Unmöglichen.

Zur Eröffnung der Ausstellung zeigt Elke Graalfs die Performance „Rote Beete – Weißes Beten“

There is space above the hill. This space is imagination, a floating condition. The art works of Elke Graalfs move in inner, as much as in physical spheres. Tracks and tasks always link biographical experiences that can be recorded automatically in pictures and also in books to explore the hidden. Colour, constitutional material, is understood like fibre and track of stereoscopic construction that heighten the aspect of an absent reality. The coats, the pullovers, the knitted human gown, are images of a protective weaved cover, which hide here an invisible body. Painting expands over the borders of frame and casts into the three dimensional. The land and subject of dream. Like something whose weight is hypothetically heavy realised in suspension, shows up the visionary. Body’s physicalness, universal of our life description, gets the material for emanation of our needs and longings. Fortune is according to Schopenhauer the absence of pain, but here its admiration to the current existence of our self. The artist defines this in an alchemistic manner, the combination of polar ingredient in favour to the investigation and creation of impossibility.

At the opening Elke Graalfs presenting the Performance “Rote Beete – Weißes Beten”

Nein/ Performance

Elke Graalfs, Over The Hill,  Galerie Crystal Ball Berlin

Elke Graalfs, Over The Hill, Galerie Crystal Ball Berlin

Fotos: Michael Jungblut

9.- 15. April 2011, täglich geöffnet von 15 – 20 Uhr

Die kleinformatigen Portraitserien von Benjamin Blanke besitzen eine Besonderheit, eine manieristisch ironische Strategie, die auch auf die Wahrnehmung der Art und Weise des Dargestellten abzielt. Auf den einzelnen Arbeiten befindet sich meist, immer zum Bildrand hin, nur der Kopf des Portraitierten. Dicht unter dem Kinn, am Hals, endet das tragende Blatt. Das eigentliche Thema, die Körperlichkeit des malerisch Dargestellten, findet in der Beschränkung des Materials ihr Bild.

Die Performances von Kirsty Kross alias Legs Akimbo, Mitglied der bekannten Band Team Plastique, bewegen sich im Feld experimenteller Arbeit mit den Betrachtern und untersuchen dabei spielerisch persönliche Erfahrungen in gruppendynamischen Prozessen.

In GANG BANG YIN YANG arbeitet die Künstlerin auch mit wechselnden Musikern, dem Love Hospital Experimental Orchestra, an einem anti-perfektionistischen Happening zwischen den Polaritäten. In der Ausstellungszeit werden Zeichnungen der Künstlerin mit den Ergebnissen der Aktion gezeigt.

The miniature portrait series of Benjamin Blanke possess a special characteristic- a mannerist and ironic form of representation in portraiture. In most of the works, only the head of the subject is featured. Closely below the chin, on the neck, the composition abruptly ends, but still fills the pictorial space to the edge. The underlying theme of the works – physicalness, achieves in the reduced use of basic material, its subject.

The performances of Kirsty Kross alias Legs Akimbo, member of the popular band Team Plastique, involve creating situations where the audience experiments with social interaction and play within an improvised and flexible group context. In GANG BANG YIN YANG the artist will also work with the ever-changing music ensemble, The Love Hospital Experimental Orchestra, to create an anti-perfectionist Happening between two polar extremes. The exhibiton features drawings of the artist as well as the results of the action.

Performance Kirsty Kross

Legs Akimbo, Performance Berlin 2009

Benjamin Blanke: Yul Brunner

Eröffnung am Fr. 4. März um 20 Uhr, mit einem Konzert von Senor Depressivo

5. – 12. März, tgl. geöffnet von 15 bis 20 Uhr

Frank Schoppmeier: Art / Banner 150 x 250 cm, 2011

Frank Schoppmeiers Objekte und Installationen kreieren durch die Kombination verschiedener  ikonografischer Rückbezüge neue Bedeutungsebenen und mögliche Bildthesen. Die eingesetzten Ebenen und Bildmittel zeigen in ihrer historischen popkulturellen Beziehung auf unser visuelles Gedächtnis. Eine flüchtige Bildrezeption, mit seinen erlernten und kategorisierenden Affekten wirkt darauf wie ein blinder Fleck in unserer konstituierten Ordnung. Der Künstler arbeitet mit den Verschiebungen dieser Grenzen, an der Wahrnehmung und Analyse einer irritierenden Pop Art.

Frank Schoppmeier: Kapital und Dosenfleisch, Galerie Crystal Ball Berlin